Screening

February 9, 2017 -  La Lumière Collective - 7080, rue Alexandra #506, MTL 

thequickbrownfox

Ibrida*Pluri presents

body.film
 one possible approximation to Austrian Independent Cinema

Curated by Sonya Stefan and Stefanie Weberhofer, from/de filmkoop wien, will be attending/sera présente
  1. Untitled - Antoinette Zwirchmayr, 2012, 1:50 min (16mm, 16mm projection)
  2. Bolex Mon Amour - Daniela Zahlner, 2011, 3:20 min (16mm, 16mm projection)
  3. Foodfilms: Kaiserschmarrn and coffee - Viktoria Schmid, 2009, 2:00 min (16mm, 16mm projection)
  4. Escalator - Björn Kämmerer, 2006, 2:23 min (35mm, 16mm projection)
  5. The Quick Brown Fox Jumps Over the Lazy Dog - Johann Lurf, 2009, 3:00 min (35mm, digital projection)
  6. APARICIONES -  Maria Luz Olivares Capelle, 2014, 23:00 min (digital projection)
  7. Goodbye - Karin Fisslthaler, 2013, 2:33 min (digital projection)

 


 October 27, 2016 - La Lumière Collective - 7080, rue Alexandra #506, Montréal - QCAsian Eye.png
Visions d’Asie / Asian Eye

A selection of short movies from
 KLEX 2015 (Kuala Lumpur Experimental Film, Video and Music Festival)

Presented by KLEX in collaboration with La Lumière Collective
Curated by: Kok Siew-Wai + Fabrizio Gilardino - La Lumière, Montréal
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Programme:
  1. Ghost Rabbit & The Casket Sales/Arnont Nongyao (T) : 2015 : 7min07
  2. Kuchithesizer/Kezzardrix & DJ Sniff (J) : 2014 : 4min46
  3. The Song of Life/Winston Liew Kher Cheng (MY) : 2015 : 6min38
  4. H1001_XTOUCH.MOV/Chloe Yap Mun Ee & Wee Jia Foong (MY) : 2015 : 5min55
  5. Keajaiban (Miracle)/Loong Wah (MY) : 2015 : 13min02
  6. ความทรงจำ / Memories/Wachara Kanha (T) : 2015 : 15min41
  7. 南無撿破爛菩薩 / Hail the Bodhisattva of Collected Junk/Ye Mimi (RC) : 2015 : 6min15
Total running time : 58min00 approx.
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1.Ghost Rabbit & The Casket Sales - Un court-métrage tourné en réaction au coup d’état de mai 2014 qui a porté au pouvoir l’armée thaïlandaise.
Arnont Nongyao est un artiste multidisciplinaire de Bangkok, Thaïlande. Ses films ont été programmés dans plusieurs festivals en Asie, en Europe et aux États-Unis. Tout récemment, ils ont été vus à l’IFFR International Film Festival Rotterdam et à la Media Art Biennale Wro de Wrocław, en Pologne.
2.Kuchithesizer La musique de Kuchithesizer est dérivée de la manipulations d’échantillons de la voix du chanteur japonais Makigami Koichi. Son travail vocal, qui utilise des « extended techniques », a été de-composé et recomposé par DJ Sniff à l’aide de tourne-disques et différents filtres analogiques. Les images ont été générées à l’aide de logiciels conçus avec Jitter et Openframeworks ; la plupart d’entre elles interagissent strictement aux characteristiques sonores de la composition originale.

Kezzardrix est un artiste visuel et sonore, ainsi qu’un programmateur japonais.

Takuro Mizuta Lippit, aka DJ Sniff est un musicien, commissaire et producteur japonais dans le domaine des arts électroniques et de la musique expérimentale. De 2007 à 2012 il a été le directeur artistique du prestigieux STEIM (Studio of Electro-Instrumental Music) à Amsterdam. De nos jours il est codirecteur d’Ensembles Asia/Asian Music Network. Il vit à Hong Kong.
3. The Song of Life - Dans un lieu abandonné, devenu la maison d’une famille, ses membres y ont laissé une trace. Au fil du temps, on peut ainsi entendre la chanson de leur vie…

Winston Liew Kher Cheng a étudié au Département des Arts Dramatiques et Visuels du New Era College de Kajang, dans l’état de Selangor, en Malaisie. Il travaille comme freelance dans les domaines du théâtre et de la vidéo.
4.H1001_XTOUCH.MOV - Une jeune femme est en train de livrer une bataille mentale avec elle-même. Elle essaye d’en faire un film.

Chloe Yap Mun Ee est en train de terminer sa maîtrise à la faculté des Arts Cinématographiques de la Multimedia University à Cyberjaya, dans l’état de Selangor, en Malaisie. Dans sa pratique, elle explore sans cesse des nouvelles modalités (approches ?) de narration. Ce film a gagné en 2014 le prix du meilleur court-métrage expérimental au Festival Filem Pelajar Malaysia (le festival du film étudiant malaisien). Ses films ont été présentés en Asie du Sud-Est, et, plus récemment, en Europe et en Amérique du Nord.

Étudiant à la maîtrise de la Multimedia University, Wee Jia Foong est un jeune cinéaste malaisien. Son travail a été vu au festival KLEX ainsi qu’au KKIFF Kota Kinabalu International Film Festival, toujours en Malaisie.
5.ความทรงจำ / Memories - Croyances, sentiments, événements politiques sont filtrés par les souvenirs de la mère mourante du cinéaste. « Ne crois rien de ce que tu vois ni de ce que je te raconte. »

Wachara Kanha est un artiste indépendant né à Bangkok. Il a étudié au département de photographie et cinéma de la Rajamangala University of Technology à Thanyaburi, Thaïlande.
6.Keajaiban (Miracle) - Dans le bar d’une discothèque, un performeur saisonné qui jadis a été une fabuleuse « drag queen » voit défiler des nouvelles « recrues » tout récemment embauchées...

Loong Wah est un vidéaste indépendant et un performeur malaisien.
7.南無撿破爛菩薩 / Hail the Bodhisattva of Collected Junk - Basé sur un poème de Ye Mimi, Hail the Bodhisattva of Collected Junk célèbre, tout en se moquant d’elle, la culture traditionnelle taïwanaise. Le titre du film est un jeu de mots à partir de la formule bouddhiste « Salut le Bodhisattva Guan Yin, déesse de la Miséricorde » et fait référence aux brocanteurs locaux, qui se promènent d’un quartier à l’autre des villes et villages taïwanais au chant de « vends-le-moi !» pour acheter toutes sortes d’objets dont l’on se débarasse.

Ye Mimi est une poète et cinéaste taïwanaise. Diplômée du département d’écriture créative de la Dong Hwa University de Shoufeng, Taïwan et du département de cinéma de la School of the Art Institute of Chicago, Mimi est l’auteure de deux volumes de poésie et de plusieurs court-métrages de vidéo-poésie qui ont été séléctionnés dans plusieurs festivals en Asie et ailleurs.
KLEX — Kuala Lumpur Experimental Film, Video and Music Festival — est un festival indépendant complètement autogéré fondé en 2010 par un groupe d’artistes malaisiens issus de différentes pratiques artistiques. Le festival présente le travail de cinéastes/vidéastes et musiciens locaux et étrangers en Malaisie et diffuse celui d’auteurs originaires d’Asie du Sud-Est à l’étranger. En 2014, parallèlement à ses activités, KLEX a créé Serious Play Improv Lab (SPIL), une série de rendez-vous mensuels dédiés à la musique improvisée.

info@klexfilmfest.com / www.klexfilmfest.com / www.facebook.com/groups/klexfest/
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Kok Siew-Wai est une artiste vidéo, vocaliste et commissaire indépendante originaire de Malaisie. Elle a séjourné aux États-Unis de 1998 à 2005, où elle a obtenu un baccalauréat à la State University of New York (SUNY) de Buffalo, NY, aisni qu’une maîtrise à la Alfred University, NY. Siew-Wai a performé, montré ses vidéos et présenté des événements en Asie, Europe et Amérique du Nord (États-Unis et Canada) lors des festivals ARKIPEL Jakarta International Documentary and Experimental Film Festival, Singapore International Film Festival, Bangkok Experimental Film Festival, International Film Festival Rotterdam, Beyond/In Western New York Biennial, RRRec Music Festival (Indonesia), Choppa Experimental & Improvised Music Festival (Singapore), Asian Music Meeting Festival (Japon). En 2010 elle a fondé KLEX, le Kuala Lumpur Experimental Film, Video and Music Festival, dont elle est la directrice et l’un des directeurs artistiques.
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Né en Italie, Fabrizio Gilardino est un graphiste, artiste visuel et commissaire indépendant qui partage sa vie entre Montréal et le Sud-Est asiatique. Il est l’un des fondateurs et des directeurs artistiques d’AWAS!, le seul événement de Kuala Lumpur entièrement dédié aux court-métrages d’animation indépendants, aisni que l’un des membres du comité de direction artistique du festival KLEX (Kuala Lumpur Experimental Film, Video and Music Festival), en Malaisie. Il collabore régulièrement avec le Kelab Seni Filem Malaysia, le centre d’artistes Findars Art Space et le Raksasa Print Studio (à Kuala Lumpur), les centres d’artistes indépendants Speedy Grandma et Bridge Art Space à Bangkok, le centre culturel germano-cambodgien Meta House à Phnom Penh (Cambodge), le Vientianale International Film Festival et la i:cat gallery à Vientiane (Laos). À Montréal il collabore entre autres avec Vidéographe et le Festival Accès Asie.

 

September 27, 2016 - La Lumière Collective - 7080, rue Alexandra #506, Montréal - QC14352020_529864130540889_4233764428350621028_oIBRIDA*PLURI & HAMBRE presents
 in collaboration with La Lumière Collective
Recent experimental films & videos from Hambre
 Curated by Guillaume Vallée (CAN), Sebastian Wiedemann (COL) & Florencia Incarbone (ARG)

Work by Pedro Ferreira - Leonardo Zito - Scott Barley - Gonzalo Egurza - Péter Lichter - Eva Kolcze - Oscar Guarin Martinez - Los Ingravidos - Sebastian Wiedemann

About Hambre:
 We are an observatory and a laboratory dedicated to the research, dialogue and production of critic and sensitive thought by contagion and connection to experimental cinema(s). We emphasize in the Latin American expressions.
 Without hierarchies and with an open state of mind, unknowing any kind of completeness, the cinema that impels us is fertile and precarious, like the crabs that habit the mangrove swamp. A space purely southern and coastal, an intensive space where the crabs in their being-multitude and in their transversal walking are always between the water and the surface, between the swamp and the roots, between the open ocean and the river… Always in betweenplaces where, without acknowledging any identity, the crab flows and becomes one with the environment that it experiments with. A crab-swamp. In this way, becoming crab-cinema, cinematographic crabs, implies a singular movement, a constant move in the border, in the shore. This beings of the coast, with love and stomach, experiment and made themselves by walking.

Screening Program
  1. (UN)evenness-Pedro Ferreira (Portugal)-Digital-3:00
  2. 359 diapositivas. 2013-2016-Leonardo Zito (Argentina)-35mm to HD-2:28
  3. Blue Permanence / Swan Blood-Scott Barley (UK)-Digital iPhone 6-6:00
  4. ..::untitled (men run)-Gonzalo Egurza (Argentina)-16mm to HD-2:19
  5. Look Inside the Ghost Machine-Péter Lichter (Hungary) -Super8 to HD-4:2
  6. Badlands-Eva Kolcze (Canada)-super 8 + 16mm to HD-4:12
  7. Mapas-Oscar Guarin Martinez (Colombia/Brasil)-Digital found footage-3:20
  8. Triptico B / Triptych B-Los Ingravidos (Mexico) -Digital + 35mm -17:31
  9. Ondas-Sebastian Wiedemann (Colombia/Brasil)-35mm to HD-9:40

September 12th, 2016 - Vienna AustriaFlyer_montreal02
http://filmkoopwien.blogspot.ca

Digital
  1. Mandi Morgan/Boreal/Animation/Digital/Color/Stereo/2015/11m22 / Working with paper cutout animation, Mandi Morgan creates a non-linear allegorical tale depicting the vulnerable tensions between wildlife and human destruction.
  2. Alisi Telengut /Nutag-Homeland/Animation/Color/Stereo/2016/6 min / Oil pastel on one piece of paper, under-camera animation, frame by frame, shot on digital. A non-narrative hand-painted visual poem about diaspora, homeland, and the tragic mass-deportations of the Kalmyk people during WWII.
  3. Guillaume Vallée/The Yellow Ghost/16mm to digital/color/Stereo/2014/3m30 Cameraless film created with found footage of a nightmarish dream.
  4. Phillippe Leonard/[T]/ 2015/HD/Color/Stereo/12min / Philippe Leonard shot the footage for this remarkable work at Times Square, in New York City, during the hours of artificial illumination. Partly for this reason, it is an oneiric diary, tempted by myth and, at the same time, suffused by a melancholy sense that myth has lost its magical power.
  5. Guillaume Vallée/Le bulbe tragique/16mm to digital/Color/2016/6 min / Ephemeral traces of nothingness - Rotoscoping farmers, crumbling churches, dying memories as hand-painted layers, decay & collage on film emulsion as incidental traces of nothingness. A work that is aware of his own mechanisms. 
  6. Sonya Stefan/Chor de/2010/16mm/B&W/Stereo/3min30 / Separated by four sections, this dance film embraces the unpolished aesthetic of contact-printed color film stock and various re-photographic techniques such as reversal color film stock, homemade filters and light manipulations.
  7. Vitalyi Bulychev & Sonya Mladenova/Lapses of Attention /Super8 - HD/B&W/3min This film was made for the One Take Super8 event; it was shot over the course of four hours. The film documents a meditation session. The participant, and co-director of the film, Sonya Mladenova recorded the audio afterwards in a hypnotic state, attempting to replicate the fleeting thoughts and impressions during her meditation.
  8. Alexandre Larose/"brouillard #14"/35mm/color/silent/2013/10min / a trajectory that extends from my family's house into a lake, layered multiple times, in-camera"

APRIL 21st 2016, 8pm-20h - Eastern Bloc - Montreal Quebec

Filmkoopvienne

Stefanie Weberhofer, from/de filmkoop wien, will be attending/sera présente
  1. filmkoop wien trailer - Stefanie Weberhofer, 0:20 min, AT 2015, color, silent, shot on Double8, projection on 16mm
  2. Untitled - Antoinette Zwirchmayr, 1:42 min, AT 2014, color, silent, shot on 16mm, projection on 16mm
  3. House and Universe - Antoinette Zwirchmayr, 3:50 min, AT 2015, color, silent, shot on 16mm, projection on 16mm (Winner 2016 Ann Arbor Kodak Cinematic Vision Award)
  4. Pasetti - Rosa John, 6:00 min, AT 2010, b/w, silent, shot on Super8, digital projection
  5. Des Films Ende - Sybille Bauer, 1:50 min, AT 2014, color, with sound, shot on 16mm, digital projection
  6. Very personal Point of View - Alina Tretinjak, 4:15 min, AT/IND 2015, color, with sound shot digital, digital projection
  7. Take me to Pemberley - Daniela Zahlner, 2:00 min, AT 2015, color, with sound shot digital, digital projection
  8. It's a dance - Viktoria Schmid, 2:00 min, AT 2013, color, with sound made digital, digital projection
  9. Pushing it - Renato Unterberg - Stefanie Weberhofer & Renato Unterberg, 3:00 min, AT 2014, color, with sound, shot on Super8 & 16mm, digital projection
  10. Aufgelöst - Stefanie Weberhofer, 4:00 min, AT 2015, color, with sound shot on 16mm, digital projection
  11. Chapeau - Guillermo Tellechea, 0:32 min, AT/DE 2014, b/w, with sound shot on 35mm, digital projection

 

April 22nd, 2016 - Eastern Bloc - Montreal Quebec

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Écritures filmiques et sonores dans l'image en mouvement expérimentale

Commissariat : Audrey Brouxel et Guillaume Vallée

Vendredi 22 avril, à 20h à Eastern Bloc ( ← Eastern Bloc) 7240, Rue Clark, Montréal

Les œuvres de cette programmation, toutes tirées du large catalogue de Vidéographe, se démarquent particulièrement par l'utilisation de différentes formes d'écritures. De l'écriture filmique que l'on découvre à travers les intertitres, les sous-titres, la narration ou l'archive audiovisuelle, à l'écriture sonore par des recherches sur l'aspect formel et la matière sonore même créant de véritables palimpsestes visuels et sonores. Ces œuvres expérimentales opèrent un dialogue créatif fascinant à travers la matérialité même des médiums qui ont été utilisés par les artistes. À l'image de la collection de Vidéographe, nous avons voulu cette programmation mixte, paritaire et représentative des artistes qui écrivent et font l'histoire de la vidéo expérimentale aujourd'hui.

PROGRAMME
  1. Sing Pedestrian Sing, Eric Gaucher, 2016, 4 min 41
  2. 00:00:15:00, Nikki Forrest, 2002, 3 min 56
  3. Tilting at Windmills, Katherine Liberovskaïa, 2016, 8 min 54
  4. The Rosetta Stone, Steven Woloshen, 2010, 5 min 30
  5. Postface, Frédéric Moffet, 2011, 7 min 20
  6. Chant d’écorce, Suzan Vachon (2007) 13 min
  7. Out of the corner of my eye, Nayla Dabaji, 2015, 3 min 30
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Filmic and sound scriptures in the experimental motving picture

Curators : Audrey Brouxel and Guillaume Vallée

Friday, April 22, 8pm at Eastern Bloc ( ← Eastern Bloc ) 7240, Clark street, Montreal

The videos of the program, all drawn from the large and rich catalog of Vidéographe, are distinguished thrmselmves by the use of different forms of writing. From the filmic scripture that is discovered through the headings, subtitles, narration or audiovisual archive to the sound writing through experimentation on the form and sound aspect creating new sound and visual palimpsests. These experimental works operate a fascinating and creative dialogue through the very materiality of the mediums that have been used by artists. Just like the collection of Vidéographe, we wanted parity in this programme and we wanted it to be representative of the artists who are writing and making the history of experimental video nowadays.

PROGRAMME
  1. Sing Pedestrian Sing, Eric Gaucher, 2016, 4 min 41
  2. 00:00:15:00, Nikki Forrest, 2002, 3 min 56
  3. Tilting at Windmills, Katherine Liberovskaïa, 2016, 8 min 54
  4. The Rosetta Stone, Steven Woloshen, 2010, 5 min 30
  5. Postface, Frédéric Moffet, 2011, 7 min 20
  6. Chant d’écorce, Suzan Vachon (2007) 13 min
  7. Out of the corner of my eye, Nayla Dabaji, 2015, 3 min 30
April 24th, 2016 - Eastern Bloc - Montreal Quebec

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PIERCING SIDEWAYS/PERCER DE BIAIS

Commissaire : Cheryl Sim / Durée : 53 min 49 s = 8 œuvres

Water has the ability to find its way into the smallest of cracks and fissures, to adapt around obstacles and maintain a vital flow. Similarly, the artists in this selection of works infiltrate their subject matter to empower conditions of possiblity for contemporary female expression in spite of entrenched and limited discourses. In Politically Correct, Claudia Del Fierro gets inside a textile factory to explore the constraints on the socializing and potential organizing of workers. Dana Inkster’s Welcome to Africville disrupts the documentary form to reveal constructs that are analagous to gender and sexual identity formation. In Re-oriented in Sao Paulo, Sojin Chun uses absurdity to call attention to an array of dynamic tensions that are part of life in a diapsoric and post-colonial context. Tran T. Kim Trang goes undercover in Operculum to expose beauty norms that impact on Asian female self image. In Rire Jaune, byol-nathalie kimura lemoine makes use of ‘frites’ as a conceptual device to reveal attitudes towards the Chinese in Belgium. In two popular song based works, Dayna McLeod’s rendition of Creep turns this intense pop anthem on its head while Myriam Jacob-Allard appropriates the myth of a male, Quebec country singer in Soldat Lebrun: Devenir le Héros. Michelle Smith’s Buried Traces pulls apart the construction of history itself to reveal the suppression of Métis identity in Canada. This program of video takes inspiration from artist Susan Hiller’s feminist concept of daring to ‘move sideways’ which articulates a desire to penetrate dominant and exclusive discursive systems through alternate modes of expression.
  1. POLITICALLY CORRECT Claudia Del Fierro 2001 4:18 English Text/ Documentation of a performance in a textile factory in Santiago. The action is a way to sneak into the space of others, to reflect on veracity, class and the limits of art practice.
  2. WELCOME TO AFRICVILLE Dana Inkster 1999 15:00 English / French subtitles / Inkster’s fiction references the destruction of Africville on the outskirts of Halifax in 1969. This short film gives a glimpse into the hearts and minds of four Africville residents on the eve of destruction of their community.
  3. REORIENTED IN SAO PAULO SoJin Chun 2010 4:29 Portugese/English/Korean ReOriented in Sao Paulo takes a light-hearted look at the complexities of immigration and cultural integration. To be ReOriented in Sao Paulo, for the Korean community portrayed in this video, signifies re-adaptation and cultural transformation.
  4. OPERCULUM Tran T. Kim Trang 1993 14:00 English / It is the intention of the tape to state a point of view, which regards cosmetic surgery of Asian (predominantly women) eyelids as a self-effacing fantasy of attaining the standard of beauty as maintained in this society, a standard which demands conformity to the norm of being average.
  5. RIRE JAUNE byol-nathalie kimura lemoine 2014 1:40 Néerlandais/English subtitles Three Asian tourists are eating a fries in an 100 second performance.
  6. CREEP Dayna McLeod, Jackie Gallant 2014 3:54 English / Creep by Radiohead is an epic 90s anthem of nihilism and self-loathing. Dayna McLeod performs this version with a queer embrace in a single take in a borrowed kitchen while Jackie Gallant molds, morphs, manipulates, and creates the corresponding soundtrack.
  7. SOLDAT LEBRUN : DEVENIR LE HÉROS Myriam Jacob-Allard 2010 3:50 French / These videos are part of a video series Devenir et être le héros, in which I impersonate various popular male characters in 1940s and 1970s country western Quebec culture. I transpose and personify them as a woman in today's society.
  8. BURIED TRACES Michelle Smith 2008 7:58 French subtitles / Buried Traces is an 8-minute experimental documentary exploring questions of Métis identity,cultural loss and renewal.
Cheryl Sim is a media artist, curator and musician. Her artistic output in single-channel video and media installation has persistently dealt with questions of identity formation and relations of power. Her work as curator at DHC/ART Foundation for contemporary art has been greatly informed by the artist-run centre ethos as well as her work as an artist.

GIV, with its multi-faceted mandate to distribute, present, and produce independent videos, is one of the rare artist-run centres throughout the world dedicated to the development and promotion of works created by women.
Version française

L’eau a la capacité de se frayer un chemin dans les interstices et les fissures les plus étroites, de contourner les obstacles et poursuivre son ruissellement en ne perdant rien de sa vitalité. De même, les auteures de la présente sélection d’œuvres infiltrent leurs sujets dans le but de créer des conditions qui rendent possible l’expression de voix féminines contemporaines, malgré et à travers des discours limitatifs bien ancrés. Dans Politically Correct, Claudia Del Fierra s’introduit dans une manufacture de textile afin d’explorer les forces qui empêchent les travailleuses de créer des liens et de s’organiser. Welcome to Africville, de Dana Inkster, détourne les conventions du documentaire afin de révéler des construits similaires à ceux qui président à la formation des identités liées à l’orientation sexuelle et au genre. Dans Re-oriented in Sao Paulo, soJin Chun a recours à l’absurde pour mettre en lumière les diverses tensions dynamiques inhérentes à la vie en contexte diasporique et postcolonial. Dans Operculum, Tran T. Kim Trang assume une fausse identité afin de révéler les normes de beauté qui influent lourdement sur l’image de soi des femmes asiatiques. Dans Rire jaune, byol-nathalie kimura-lemoine utilise les frites comme mécanisme conceptuel afin de mettre au jour les attitudes qui prévalent envers les Chinois en Belgique. Dans deux vidéos proposant des reprises de chansons, Dayna McLeod transforme radicalement Creep, hymne pop tout en intensité, tandis que Myriam Jacob-Allard s’approprie le mythe d’un chanteur country québécois dans Soldat Lebrun : devenir le héros. Dans Buried Traces, Michelle Smith décortique la construction de l’histoire elle-même afin de révéler la suppression le l’identité métisse au Canada. Dans son ensemble, le programme vidéo s’inspire du concept féministe formulé par l’artiste Susan Hiller sur la nécessité d’oser « avancer de biais ». Ce concept renvoie à un désir de pénétrer les systèmes discursifs dominants en ayant recours à des modes d’expression autres.
  1. POLITICALLY CORRECT Claudia Del Fierro 2001 4:18 texte anglais / Documentation d'une performance dans une usine de textile à Santiago. L'action est un moyen de se faufiler dans l'espace des autres, de réfléchir sur la véracité, les classes et les limites de la pratique de l'art.
  2. WELCOME TO AFRICVILLE Dana Inkster 1999 15:00 anglais/sous-titres français / La fiction de Dana Inkster fait référence à la destruction d’Africville, en périphérie de la ville de Halifax, en 1969. Quatre personnages parlent de leur vie et de leur sexualité devant la caméra, laissant transparaître les paroles d’Inkster.
  3. REORIENTED IN SAO PAULO Sojin Chun 2010 4:29 portugais - anglais - coréen ReOriented in Sao Paulo jette un regard amusant sur les complexités de l'immigration et de l'intégration culturelle. Pour la communauté coréenne représentée dans cette vidéo, être réorienté à São Paulo signifie ré-adaptation et transformation culturelle.
  4. OPERCULUM Tran T. Kim Trang 1993 14:00 anglais / Le point de vue abordé dans cette œuvre considère la blépharoplastie, chirurgie esthétique des paupières asiatiques surtout pratiquée sur les femmes, comme un rêve d'auto-effacement pour atteindre le standard de beauté reconnu par la société.
  5. RIRE JAUNE byol-nathalie kimura lemoine 2014 1:40 néerlandais/sous-titres anglais Trois touristes asiatiques mangent un paquet de frites belges en 100 secondes.
  6. CREEP Dayna McLeod, Jackie Gallant 2014 3:54 anglais / Creep de Radiohead, chanson phare des années 1990, est un véritable hymne au nihilisme et à la haine de soi. Dans une cuisine, Dayna McLeod propose une interprétation queer de cette chanson en une seule prise, sur une bande son créée grâce aux ingénieux bidouillages, manipulations et triturations de Jackie Gallant.
  7. SOLDAT LEBRUN : DEVENIR LE HÉROS Myriam Jacob-Allard 2010 3:50 français / Cette vidéo fait partie d'une série dans laquelle j’incarne des personnages populaires masculins de la culture country western québécoise des années 1940 à 1970. Je les transpose et les personnifie en tant que femme dans la société actuelle.
  8. TRACES SOUTERRAINES Michelle Smith 2008 7:58 anglais/sous-titres français  Traces souterraines est un documentaire expérimental qui explore des questions relatives à l’identité métisse, à la perte culturelle et au renouveau.
Cheryl Sim est artiste médiatique, commissaire et musicienne. Dans ses monobandes et installations médiatiques, elle traite avec assiduité de sujets liés à la formation identitaire et aux relations de pouvoir. Son travail comme commissaire à DHC/ART Fondation pour l’art contemporain s’appuie, pour une bonne part, sur la philosophie des centres d’artistes autogérés et sur sa démarche d’artiste.

Le GIV, dont le mandat multiple est de distribuer, diffuser et produire des vidéos indépendantes, fait partie des rares centres qui, de par le monde, se consacrent à la mise en valeur d’œuvres réalisées par des femmes.
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Ibrida Pluri* II – Line-Up – Links

April 21st  9PM - 21H
* Montreal Nintendo Orkerstar Alexandre St-Onge Sonya Stefan 
 * Philippe Léonard
 -------------------------
 DATA SLUM
 * Martin Rodriguez Leon Louder Mr Saboteur
 -------------------------
 * James Schidlowsky
 * Éric GingrasRob Feulner
April 22nd  9Pm - 21H
* Black GivreJean-Sébastien Truchy Philippe Vandal
 * Karl Lemieux
-------------------------
 * Charles BarabéCharles-André Coderre Guillaume Vallée
-------------------------
 * Émilie Mouchous Ylang YlangJohn BlouinAriane Voineau
April 23rd  9Pm – 21H
————————-----------------
* ZEPHYR (Sylvain Chaussé + Adam Weaver)
-------------------------
* ANIMALS OF DISTINCTION - Somewhere Between Maybe
(Dana Gingras + Jamie Wright + Sonya Stefan)
-------------------------
* François LétourneauMyriam Boucher
-------------------------
 AFTER PARTY - 11PM
*DJ Interstellar II 
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PRE-SALE
 Get your ticket & cheaper passes here:
 http://haricot.ca/project/ibridaplurifestival

Ibrida*Pluri Interviews

Brice Noeser

Depuis toujours je cherche à créer mon langage. Je l'ai d’abord cherché à travers l’écriture de récits, et ensuite par l’invention de langues. Finalement, c'est en rencontrant la danse qu'un nouveau mode d’expression s'est éveillé en moi. Mon corps tout entier est devenu le terrain fertile pour chercher à articuler mon lexique. Ainsi, ma pratique actuelle revient à ce que je faisais plus jeune, c’est-à-dire écrire une trame et inventer un vocabulaire pour dire les choses autrement, pour créer et recréer mon propre mode d’expression à partir de ce qui me constitue culturellement. Étymologiquement le mot « culture » veut dire « ce qu’on habite ». Peut-être alors la danse serait ma culture et la chorégraphie serait ma langue.
SONYA STEFAN passe BRICE NOESER en entrevue
  1. Quels sont les thèmes du cinéma qui t’intéressent et qui inspirent ton travail chorégraphique ?
Certains films me procurent une expérience immersive qui fait écho en moi quelques temps après. C’est une sensation difficile à expliquer, mais c’est comme si j’avais l’impression de faire partie du film, d’être dans l’histoire, d’être un personnage. Donc quand je sors de la salle de projection, je deviens à la fois caméra et acteur : la vie que je vois se dérouler devant moi et les rencontres que je vis avec les gens et les environnements pourraient être la suite du film. Mais cette sensation ne fonctionne qu’avec les films qui me donnent une certaine impression de réalisme. La captation sonore est, je crois, un élément clef pour me permettre de me sentir complètement plongé dans l’univers du film. Je me plais à entendre les vrais sons de la vie, des sons concrets d’objets, de corps, de voix. 

Ces intérêts se manifestent en danse dans mon obsession pour l’utilisation du regard et pour la variété d’éléments sonores que j’explore : craquements du plancher, sons de la peau, des vêtements, du frottement des pieds contre le sol, du langage, des spectateurs, de musiques… etc. Et pour en revenir au regard, au cinéma dans les plans rapprochés on a accès à des détails d’un visage, d’une expression, d’un regard, détails avec lesquels j’aime jouer en studio et sur scène, bien que le rapport aux spectateurs soit très différent. J’ajouterais aussi que je m’attache beaucoup aux transitions entre les images ou entre les sons et les situations quand je crée, et c’est quelque chose que j’aime observer aussi dans les films.
2. Comment se traduit ton intérêt pour les films dans la création chorégraphique ?

Cet intérêt se traduit par les choix de pistes sonores, parfois repris de films, et par cette tentative de reproduire un certain réalisme sur scène. Comme certains films, dans Ruminant Ruminant, je me suis attaché à des choses concrètes du quotidien, je n’étais pas intéressé à utiliser la danse pour créer de l’abstraction ou de la poésie, j’ai cherché à créer un rapport direct avec les spectateurs, des propos concerts sur ce que se passe entre nous, en tentant d’être le plus honnête possible dans les propositions, sans grands artifices théâtraux ou lyriques. 

Ce qui me touche ou m’interpelle le plus au cinéma, c’est quand je sens que je suis un témoin presque participant parce que la situation est tellement réaliste que je me sens concerné. À travers ma dernière création, je me suis aussi questionné sur la nécessité de révéler les références cinématographiques. Je les révèle dans les programmes de soirée, mais sur scène, en montrant que tel ou tel aspect d’une scène est inspiré d’un film, j’ai l’impression de m’appuyer sur des choses concrètes qui peuvent être connues par certains spectateurs. J’aime aussi le fait de rendre apparent la transposition de la référence de film à la proposition chorégraphique, et que les spectateurs soient témoins de la manière avec laquelle je me suis approprié un élément d’oeuvre filmique.
3. Peux-tu évoquer tes inspirations cinématographiques en lien avec Ruminant Ruminant ?

C’est la première fois que j’allais puiser dans des références cinématographiques aussi précises. Je pense que Karina Iraola, avec qui j’ai créé et avec qui je partage la scène, a beaucoup contribué à ce travail autour de certaines archives du cinéma. Dans un solo qu’elle interprète pour un seul spectateur sur scène, elle a reproduit la gestuelle d’une scène du film Les garçons et Guillaume, à table ! dans laquelle l’acteur faisait un pastiche de Sissi impératrice. Par-dessus cette partition de mouvements et de texte, qu’elle écoute et répète à partir de ses écouteurs, une musique dramatique du film The Talented Mr. Ripley surplombe la scène. Ainsi, la narration gestuelle et textuelle, inaudible, agrémentée par la musique, tout aussi narrative, du film se télescopent pour donner un nouveau sens sur la scène entre Karina et le spectateur. D’autre part, le film Vivre sa vie de Jean-Luc Godard, m’a inspiré par sa manière de créer des ruptures, des décalages et des superpositions entre images, musiques et dialogues. J’ai aussi découvert l’actrice Anna Karina que j’ai retrouvé dans un clip où elle chantait Ne dis rien en dansant un slow avec Serge Gainsbourg. 

Dans Ruminant Ruminant, nous terminons une scène en dansant un slow sur Destinée, la musique qui joue pendant une scène de slow du film Le père Noël est une ordure. Par un subtil effet de glissement, nous poursuivons le slow en chantant la chanson de Gainsbourg. D’autres références ont été puisées de l’univers des films d’Almodovar. De manière presque clinique, nous avons distillé des traits féminins emblématiques qui ressortent de ces films, comme par exemple les talons hauts. Au départ ce cliché féminin des talons hauts me paraissait un peu trop évident, mais finalement c’est la sonorité des talons qui est devenue l’objet de l’étude, une sonorité qu’on a travaillé comme une partition musicale créée par des déplacements d’objets qui s’avèrent de plus en plus inutiles. Enfin, je me suis intéressé à une archive vidéo d’une entrevue avec la chanteuse française Barbara. Sur scène, Karina me passe en entrevue à propos d’une séquence de mouvements qui est exhaustivement expliquée pendant que l’on présente un passage de l’entrevue retranscrite sur des pancartes. Plusieurs sens sont alors en compétition et parfois en concordance. À la toute fin du spectacle, après les applaudissements, nous diffusons l’extrait audio de l’entrevue, pour révéler la source du texte et permettre de reconstruire le sens de ses propos a posteriori.
http://www.bricenoeser.com/

Line-UP II

Nous sommes très heureux de vous présenter la 2e édition du Festival Ibrida*Pluri, événement pluridisciplinaire montréalais qui se déroulera au centre d'artistes Eastern Bloc, les 21-22-23 avril 2016. 

Cette édition, co-produite par Eastern Bloc, rassemblera plusieurs artistes audiovisuel(le)s québécois(es) qui, pour l'occasion, nous offriront denouvelles performances audiovisuelles exclusives au festival. 

Les organisateurs du festival, Sonya StefanSamuel Bobony et Guillaume Vallée, ont mis en place différentes performances fantasmées en proposant à plusieurs artistes visuels et sonores de travailler ensemble pour une première fois. 

Nous avons, pour cette édition, 3 structures-partenaires qui présenteront un programme de court-métrages durant le festival : Videographe, Le Groupe Intervention Vidéo (GIV) et filmkoop wien (Vienna, Austria).

Eastern Bloc   7240 Rue Clark, Montreal, QC

Portes                        19h00                                     
Small Gallery                 19h00-23h00
Screening                     20h00 – 20h45                   
AV Performances               21h00 – 23h00

Pré-vente                     $10.00                                    
Festival Pass                 $25.00
à la Porte                    $15.00                                     
Festival Pass                 $35.00
Line-Up                                                                                                                       
Small Galleries
Nathan Yaffe and Dana Gingras

Printed Media
T. Lance, Mandi Morgan, Iqrar Rizvi, Vitalyi Bulychev, Speg, Guillaume Vallée

Screenings
1.Videographe (MTL)
2.Le Groupe Intervention Vidéo (GIV) (MTL)
3.filmkoop wien (Vienne, Austriche)
Audio Visual Performances
1.Charles Barabé (MTL) - Charles-André Coderre (MTL) - Guillaume Vallee (MTL)

2.Adrian Cook (Toronto) - Sylvain Chaussee (Toronto)

3.Catherine Debard (Ylang Ylang)(MTL) - Émilie Mouchous (MTL) - John Blouin (QC) - Ariane Voineau (QC)

4.Dana Gingras (MTL) - Jamie Wright (MTL) - Sonya Stefan (MTL)

5.Ganesh (MTL) - Leon Louder (MTL) - Martin Rodriguez (MTL)

6.Myriam Boucher (MTL) - François Létourneau (MTL)

7.Jean-Sébastien Truchy (MTL) - Karl Lemieux (MTL) - Black Givre (MTL) - Phillipe Vandal (MTL)

8.Rob Feulner (MTL) - Eric Gingras (MTL) - James Schidlowsky (MTL)

9.Phillipe Leonard (MTL) - Sonya Stefan (MTL) - Alexandre St-Onge (MTL) - Montreal Nintendo Orkerstar (MTL)